lunes, 11 de junio de 2012
SECCIÓN AUREA
Esta proporción o forma de seccionar proporcionalmente una línea se llama proporción áurea.
Se cree que las proporciones basadas en la sección áurea son agradables a la vista y se pueden encontrar a todo nuestro alrededor en muchas pinturas, edificios y diseños.
RELACIÓN: MÚSICA-SECCIÓN ÁUREA
La particularidad del sistema pitagórico fue encontrar en las matemáticas
una clave para resolver el enigma del Universo y en el número, el principio de
todas las cosas. Las teorías en torno a la música ocupan un puesto de especial
importancia para esta escuela pitagórica; mantenía una posición central dentro de
la metafísica y la cosmología pitagóricos.
Las matemáticas y la música se unen en el concepto pitagórico de
"armonía", que significa proporción de las partes de un todo. Los pitagóricos se
guiaron siempre en sus investigaciones por el principio de que la música debía ser
reconducida hasta las proporciones más simples, ya que debía reflejar en todo la
armonía universal.
Los pitagóricos atribuían a las distancias entre los astros, relaciones
análogas a las de las longitudes de las cuerdas vibrantes que dan las notas
características de los modos musicales; es lo que ellos denominaban la armonía
de las esferas. Platón retomó las ideas de que la materia y el mundo están
organizados según estructuras matemáticas producidas explícitamente como
análogas a estructuras musicales. Bajo la influencia de Platón, la Edad Media y el
Renacimiento concedieron una gran importancia a esta “música mundana”,
armonía del mundo.
El poder de la sección áurea para crear armonía surge de su exclusiva
capacidad de aunar las diferentes partes de un todo de modo que, conservando
cada una su propia identidad, las combina no obstante en el patrón mayor de un
todo único. El cociente de la sección áurea es un número irracional e infinito que
sólo puede ser aproximado y, sin embargo, tales aproximaciones son posibles
incluso dentro de los límites de los números enteros mínimos.
SINTETIZANDO ELECTRÓNICAMENTE
Las
diferentes técnicas utilizadas para crear música electrónica pueden
dividirse entre las que se usan para crear nuevos sonidos y las que se
utilizan para modificar, o transformar, sonidos ya registrados. En
épocas pasadas se usaban osciladores y filtros de control por voltaje,
pero estas funciones las realiza hoy el ordenador. La creación de
sonidos completamente nuevos obtenidos por la superposición o la mezcla
de sonidos puros es un proceso llamado síntesis aditiva. Por otra parte,
el modelado de sonidos o filtración de ruido se conoce como síntesis
sustractiva. El compositor francés Jean-Claude Risset ha diseñado muchos
timbres por síntesis aditiva en obras como Mutations I (1979), mientras que el estadounidense Charles Dodge usa la síntesis sustractiva con gran efectividad en su obra Cascando (1983).
La síntesis por frecuencia modulada (FM), documentada por vez primera
por el compositor estadounidense John Chowning en la década de 1960, se
emplea como vía para crear sonidos sintéticos complejos. Su pieza para
cinta Stria (1976) está compuesta de varios timbres FM mezclados.
Se pueden usar filtros de diferentes tipos para acentuar tonos o
armonías específicas, y los sonidos pueden prolongarse en el tiempo, o
elevarse y bajarse de tono, gracias a técnicas como el vocoding de fase o codificación predictiva lineal. Las Seis fantasías sobre un poema de Thomas Campion de
Paul Lansky (1979) son una obra pionera en este área. Además, se usan
técnicas de reverberación para añadir ecos o un cierto retardo a los
sonidos grabados o sintetizados, mientras que se utilizan técnicas de
simulación de espacios o salas para imitar el carácter acústico de las
grandes salas de conciertos y otros espacios. Todas estas técnicas,
aisladas o combinadas, son de uso frecuente entre los compositores de
música electrónica.
sintetizador es
un instrumento musical electrónicodiseñado para producir sonido
generado artificialmente, usando técnicas como síntesis aditiva,
substractiva, de modulación de frecuencia, de modelado físico o
modulación de fase, para crear sonidos.
SAMPLER
Un sampler es
un instrumento musical electrónico similar en algunos aspectos a un
sintetizador pero que, en lugar de generar sonidos, utiliza grabaciones
(o samples) de sonidos que son cargadas o grabadas en él por el usuario
para ser reproducidas mediante un teclado, un secuenciador u otro
dispositivo para interpretar o componer música. Dado que estos samples
son guardados hoy en día mediante memoria digital su acceso es rápido y
sencillo. El pitch de un sample puede modificarse para producir escalas musicales o acordes.
A menudo los samplers incluyen filtros, modulación mediante low frequency oscillation y otros procesos similares a los de un sintetizador que permiten que el sonido original sea modificado de diferentes maneras. La mayor parte de los samplers tienen funciones polifónicas, esto es, pueden tocar más de una nota al mismo tiempo. Muchos también son multitímbricos, pudiendo tocar diferentes sonidos al mismo tiempo.
Interfaz
Normalmente, el sampler se controla mediante un teclado musical añadido u otra fuente MIDI externa. Cada nota-mensaje recibida por el sampler permite acceder a un sample particular. Los samples suelen disponerse a lo largo del teclado, asignándose cada uno a una nota o grupo de notas. Mediante elkeyboard tracking se puede modificar el pitch del sample. A los grupos de notas a los que se asigna un sample individual se les suele denominar en ingléskeyzone, y al conjunto de zonas resultante keymap.
En general, los samplers pueden interpretar cualquier tipo de audio grabado y la mayoría ofrecen posibilidades de edición que permiten al usuario modificar y procesar el sonido, y aplicarle un amplio rango de efectos, lo que convierte al sampler en una herramienta musical versatil y poderosa.
Los keymaps se organizan en instrumentos. En este nivel, se pueden añadir parámetros para definir como son tocados los keymaps. Pueden aplicarse filtros para cambiar el color del sonido, al tiempo que los low frequency oscillators permiten dar forma a la amplitud, el pitch, el filtro u otros parámetros del sonido. Los instrumentos pueden tener múltiples capas de keymaps, lo que permite tocar más de un sample al mismo tiempo y cada capa de keymap puede tener un rango de parámetros diferente. Por ejemplo, dos capas pueden tener una sensibilidad diferente a la velocidad de la nota de entrada, lo que altera el tímbre resultante de acuerdo a lo fuerte que la nota sea tocada.
A menudo los samplers incluyen filtros, modulación mediante low frequency oscillation y otros procesos similares a los de un sintetizador que permiten que el sonido original sea modificado de diferentes maneras. La mayor parte de los samplers tienen funciones polifónicas, esto es, pueden tocar más de una nota al mismo tiempo. Muchos también son multitímbricos, pudiendo tocar diferentes sonidos al mismo tiempo.
Interfaz
Normalmente, el sampler se controla mediante un teclado musical añadido u otra fuente MIDI externa. Cada nota-mensaje recibida por el sampler permite acceder a un sample particular. Los samples suelen disponerse a lo largo del teclado, asignándose cada uno a una nota o grupo de notas. Mediante elkeyboard tracking se puede modificar el pitch del sample. A los grupos de notas a los que se asigna un sample individual se les suele denominar en ingléskeyzone, y al conjunto de zonas resultante keymap.
En general, los samplers pueden interpretar cualquier tipo de audio grabado y la mayoría ofrecen posibilidades de edición que permiten al usuario modificar y procesar el sonido, y aplicarle un amplio rango de efectos, lo que convierte al sampler en una herramienta musical versatil y poderosa.
Jerarquía
Un sampler se organiza mediante una jerarquía de estructuras de datos que crecen en complicación. En la base están los samples, grabaciones individuales de cualquier sonido, grabadas a un tasa de sample y resolución particulares. Un pitch central de referencia indica la frecuencia actual de la nota grabada. Los samples también pueden convertirse en loops mediante la definición de puntos en los que una sección repetida del sample comienza y termina, permitiendo que un sample relativamente corto pueda ser tocado infinitamente. En algunos casos, se indica un "loop crossfade", lo que permite que las transiciones sean menos obvias en el punto del loop suavizando y atenuando el final y el comienzo del loop.Los keymaps se organizan en instrumentos. En este nivel, se pueden añadir parámetros para definir como son tocados los keymaps. Pueden aplicarse filtros para cambiar el color del sonido, al tiempo que los low frequency oscillators permiten dar forma a la amplitud, el pitch, el filtro u otros parámetros del sonido. Los instrumentos pueden tener múltiples capas de keymaps, lo que permite tocar más de un sample al mismo tiempo y cada capa de keymap puede tener un rango de parámetros diferente. Por ejemplo, dos capas pueden tener una sensibilidad diferente a la velocidad de la nota de entrada, lo que altera el tímbre resultante de acuerdo a lo fuerte que la nota sea tocada.
Especificaciones
Los samplers pueden clasificarse en función de diferentes especificaciones:- Polifonía: cuántas voces pude interpretar simultáneamente.
- Espacio de sample: cuánta memoria tiene disponible para cargar samples.
- Canales: cuántos canales MIDI diferentes tiene disponible para diferentes instrumentos.
- Profundidad de bit: cuánto resolución de sample puede soportar.
- Outputs: cuántos outputs discretos de audio tiene disponibles.
Problemas derivados de su uso
La utilización de un sampler puede implicar problemas de tipo legal, ya que "samplear" en muchas ocasiones equivale a usar muestras de los discos de otros artistas, lo que no siempre se hace con el consentimiento del artista sampleado. En los años 1990, varios autores y compañías discográficas ganaron pleitos en los que reclamaban a productores de música hip hop los derechos de autor de sonidos que habían reproducido utilizando un sampler. Desde entonces, los discos de hip hop son estudiados por estas compañías, incluso llegando a realizar procesos de calidad respecto a las muestras tomadas de otros artistas comprobando así que cumplan con la ley. Generalmente, los aspectos legales se arreglan mediante contratos antes de sacar el disco al mercado.Punchis Punchis Punchis ♫
Música electrónica es
aquel tipo de música que emplea para su producción e interpretación
de instrumentos electrónicos y tecnología musical electrónica. En
general,
puede distinguirse entre el sonido producido utilizando medios
electromecánicos de aquel producido utilizando tecnología electrónica.
Ejemplos de dispositivos que producen sonido electromecánicamente son
el telarmonio, el órgano Hammond y la guitarra eléctrica. La producción
de sonidos puramente electrónica puede lograrse mediante aparatos como
el theremin, elsintetizador de sonido y el ordenador.
La
música electrónica se asoció en su día exclusivamente con una forma
de música culta occidental, pero desde finales de los años 1960, la
disponibilidad de tecnología musical a precios accesibles permitió que
la música producida por medios electrónicos se hiciera cada vez más
popular. En la actualidad, la música electrónica presenta una gran
variedad técnica y compositiva, abarcando desde formas de música culta
experimental hasta formas populares como la música electrónica de baile.
a
habilidad de grabar sonidos suele relacionarse con la producción de
música electrónica, si bien no es absolutamente necesaria para ello. El
primer dispositivo conocido capaz de grabar sonido fue el fonoautógrafo, patentado en 1857 por Édouard-Léon Scott de Martinville. Podía grabar sonidos visualmente, pero no estaba hecho para reproducirlos de nuevo.
En
1878, Thomas A. Edison patentó el fonógrafo, que utilizaba cilindros
similares al aparato de Scott. Aunque se siguieron utilizando los
cilindros durante algún tiempo, Emile Berliner desarrolló el fonógrafo
de disco en 1887. Un invento significativo, que posteriormente tendría
una gran importancia en la música electrónica, fue la válvula audión,
del tipo tríodo, diseñada por Lee DeForest. Se trata de la
primeraválvula termoiónica, inventada en 1906, que permitiría la
generación y amplificación de señales eléctricas, la emisión de radio,
la computación electrónica, y otras variadas aplicaciones.
Con
anterioridad a la música electrónica, existía un creciente deseo entre
los compositores de utilizar las tecnologías emergentes en el terreno
musical. Se crearon multitud de instrumentos que empleaban diseños
electromecánicos, los cuales allanaron el camino para la aparición de
instrumentos electrónicos. Un instrumento electromecánico
llamado Telharmonium (en ocasiones Teleharmonium o Dynamophone) fue
desarrollado por Thaddeus Cahill en los años 1898-1912. Sin embargo,
como consecuencia de su inmenso tamaño, nunca llegó a adoptarse. Se
suele considerar como el primer instrumento electrónico el Theremin,
inventado por el profesor Léon Theremin alrededor de 1919–1920. Otro primitivo instrumento electrónico fue el Ondes Martenot, que se hizo conocido al ser utilizado en la obra Sinfonía Turangalila por Olivier Messiaen. También fue utilizado por otros compositores, especialmente franceses, como Andre Jolivet.
ATONALIDAD
La atonalidad (del griego a:
‘sin’ y el español tonalidad) es el sistema musical que prescinde de
toda relación de los tonos de una obra con un tono fundamental y de
todos los lazos armónicos y funcionales en su melodía y acordes, no
estando sujeto a las normas de la tonalidad.
Generalmente el sistema opuesto al atonalismo no se llama tonalismo sino «sistema tonal».
Más
específicamente, el término describe la música que no se ajusta al
sistema de jerarquías tonales que caracterizaba el sonido de la música
europea entre el siglo XVII y primeros años del XX.
Los centros
tonales gradualmente reemplazaron los sistemas de organización modal que
se habían desarrollado desde el 1500 y que culminaron con el
establecimiento del sistema de modo mayor y menor entre fines de siglo
XVI y mediados del XVII.
Un oyente
atento a obras especialmente de los períodos Barroco, Clásico o
Romántico, u obras como una ópera de Antonio Vivaldi,
una sonata de Beethoven (1770-1827) o una sinfonía de Mahler, es capaz
de advertir que pocos compases antes de que finalice un fragmento,
pueden presentir ese final.
El sistema
tonal es el sustrato en que se basaron casi todos los compositores entre
1600 y 1900. En esas obras musicales existe un sonido que actúa como
centro de atracción de toda la obra. Aunque en el transcurso de la misma
se haya cambiado muchas veces de centro tonal por medio
de modulaciones, por convención hacia el final siempre prevalecía la
fuerza de ese núcleo original y la composición terminaba al llegar a la
tónica, o sea el sonido de atracción (en griego tonos significa ‘tensión’).
El principio
básico del atonalismo consiste en que ningún sonido ejerza atracción
sobre cualquier otro sonido que se encuentre en sus cercanías. Por eso
el oyente no puede predecir ni siquiera una nota antes, si está al final
de una frase musical (la cual, aparentemente, cesa en cualquier
momento). Sencillamente porque no ha existido ningún centro tonal.
ACORDES Y ARMONÍA/ ARMONÍA Y ACORDES
Sabemos
que un acorde se conforma por tres o más notas y estas son parte de una
escala, sin escala no habría acordes... En estas existen triadas
mayores, menores y disminuidas.
Decimos que las triadas son mayores si se forman de una 3era mayor y una 5ta justa. En las tonalidades mayores encontramos triadas mayores en los grados I, IV y V.
Mientras que la armonía
La armonía musical es la que se encarga de la simultaneidad de los sonidos ya que estos se encargan de formar los acordes y su disposición para melodías etc . Como sabemos esta es una configuración de sonidos y el vocablo quiere decir, ajustar o combinación.
Triadas Mayores.
Decimos que las triadas son mayores si se forman de una 3era mayor y una 5ta justa. En las tonalidades mayores encontramos triadas mayores en los grados I, IV y V.
Triadas Menores
.Decimos
que las triadas son menores si se forman de una 3ra menor y una 5ta
justa. En las tonalidades mayores encontramos triadas menores en los
grados ii, iii y vi
Triadas Disminuidas.
Decimos
que las triadas son disminuidas si se forman de una 3ra menor y una 5ta
disminuida. En las tonalidades mayores encontramos una triada
disminuida en el viio
Mientras que la armonía
La armonía musical es la que se encarga de la simultaneidad de los sonidos ya que estos se encargan de formar los acordes y su disposición para melodías etc . Como sabemos esta es una configuración de sonidos y el vocablo quiere decir, ajustar o combinación.
Para
recordar un poco, lo armónico equilibrio de las proporciones entre las
distintas partes de un todo, como lo armónico significa lo bello, lo
puro y/o agradable. La armonía tanto en la música como en otros
aspectos significa amistad.
BAJO CIFRADO
Técnicamente hablando, podemos decir que son sistemas “cifrados” musicales todos
aquellos que utilicen signos de cifras, letras o ambas para expresar los fenómenos sonoros; o,
de otra manera, aquellos que no utilicen los símbolos explícitos y particulares de las notas tal
y como lo conocemos actualmente (la notación musical convencional) para expresar los
eventos musicales..
Normalmente, se utilizan, bien para enseñar técnica instrumental a quien no conoce aún la
lectura solfística, o bien para evitar escribir todas las notas y pentagramas musicales en su
totalidad, como sistema de “abreviaturas” armónicas.
Históricamente, han sido (y son) algunos de los sistemas de terminología musical más
utilizados, tanto en la Antigüedad (la propia cultura musical “clásica” tuvo que recurrir a
diversas variantes de ellos hasta conseguir desarrollar el sistema actual, a partir del año 800-
1000, aprox), como en la actualidad, donde siguen existiendo y ocurriendo muchos contextos
en los que su eficacia y utilidad es sobresaliente.
En la música académica o "clásica" el más conocido de todos los utilizados a partir de cifras
con fines prácticos o pedagógicos, desde el barroco, es el denominado bajo cifrado (surgido
de la técnica de un estilo o género musical particular: el bajo continuo).
Instrumentos De La Prehistoria
En la naturaleza
propiamente dicha, o en las actividades cotidianas es posible encontrar
música. Golpeando dos piedras o cortando un árbol, se obtenía un sonido
rítmico.
Se han encontrado
entre los restos arqueológicos, instrumentos de las cuatro familias:
idiófonos (palos, sonajas, raspadores, maracas de calabaza, xilófonos,
etc), membranófonos (tambores, mirlitones),cordófonos (toda la variedad
de arcos), aerófonos (flautas, silbatos, cuernos y caracolas). Todos
estos instrumentos continúan utilizándose.
De
esos hallazgos arqueológicos en hueso, piedra y concha, los grafitos y
las pinturas, las únicas huellas sobrevivìdas en el tiempo, se puede
establecer que la historia de los instrumentos musicales sigue el de los
utensilios usados por el hombre; los primeros objetos sonoros
reconocidos aparecen hace 40.000 años con el acontecimiento del homo
sapiens sapiens en el Paleolítico superior, paralelos al arte simbólico y
figurativo y están entre los primeros objetos artificialmente
perforados; como los colgantes ornamentales sonoros, los silbatos de
falange, los raschiadores y los rombos, mientras las primeras flautas,
tubos en hueso con agujéros para los dedos, aparecen ciertamente hace
25.000 años. Hay huellas de los primeros arcos, construidos con
materiales extremadamente corruptibles, de 15.000 años como sus
probables representaciones.
también las
formaciones de estalactitas y estalagmitas de las cavernas, producen
sonoridades diversas, al golpearlas con la mano, una madera o hueso.
Un ejemplo de la música en la prehistoria son
los rombos volantes, instrumentos de hueso, madera, u otros materiales,
que se ataban con una cuerda y se giraban en el aire, hasta producir un
zumbido característico. Aún persisten estos instrumentos en algunas
tribus africanas, en la India o en Australia.
Música en la Prehistoria
Los estudios sobre la música prehistórica se ven auxiliados de la arqueología y la antropología, con ellos se investiga la aparición de instrumentos musicales en los yacimientos arqueológicos, y la comparación entre los pueblos prehistóricos y los pueblos primitivos actuales.
Los hombres prehistóricos utilizaban instrumentos musicales pertenecientes a las cuatro familias que actualmente se conocen. Los hombres prehistóricos utilizaban instrumentos musicales
pertenecientes a las cuatro familias que actualmente se conocen.
Existen varias teorías sobre los motivos del surgimiento de la música:
la necesidad de comunicarse a través de la distancia. La magia puede ser
un origen para la música, con los cantos y danzas de los hechiceros.
Los estudios sobre la música prehistórica se ven auxiliados de la arqueología y la antropología, con ellos se investiga la aparición de instrumentos musicales en los yacimientos arqueológicos, y la comparación entre los pueblos prehistóricos y los pueblos primitivos actuales.
Los hombres prehistóricos utilizaban instrumentos musicales pertenecientes a las cuatro familias que actualmente se conocen. Los hombres prehistóricos utilizaban instrumentos musicales
pertenecientes a las cuatro familias que actualmente se conocen.
Existen varias teorías sobre los motivos del surgimiento de la música:
la necesidad de comunicarse a través de la distancia. La magia puede ser
un origen para la música, con los cantos y danzas de los hechiceros.
Los
orígenes exactos de la música son desconocidos, debido a que durante
mucho tiempo no se emplearon instrumentos, sino la voz humana o la
percusión, ya sea corporal o de los elementos del entorno, los cuales no
dejaron huellas arqueológicas.
Las
teorías más sostenibles plantean la aparición de la música en una etapa
simultánea a la aparición del lenguaje. Ya que las diferentes
expresiones lingüísticas constituyen formas de música (diferentes
modulaciones o interpretaciones del lenguaje). O sea que la música
habría surgido de las variantes de los sonidos del lenguaje.
Música por Eras:
• La música paleolítica: en este periodo se la consideraba un recurso mágico, que servía para los rituales de cacería.
•
En el neolítico: la sedentarización de ciertos grupos humanos plantea
los espacios de ocio, los cuales pueden amenizarse con la música por
medio de cantos y danzas.
Música En los Continentes de la Antigüedad
EGIPTO
Todo
lo que podemos conocer de esta música debe ser deducido de testimonios
plásticos o literarios, es el único medio que poseemos para acceder al
conocimiento de la música egipcia.
Contamos
con infinidad de bajo relieve y pinturas halladas en templos y tumbas
donde se representan a intérpretes de flautas, arpas, sistros, etc.
Evolución del arte musical: Etapas
Imperio antiguo: Tiene gran importancia el uso del arpa, instrumento típicamente egipcio, una flauta larga y una flauta doble.
Un
bajo relieve de Sakahara , nos muestra a unos cantantes sentados,
conducidos por un director. Esto nos hace pensar que estos movimientos
de la mano no solo gíaba a los intérpretes sino que constituía un
lenguaje determinado.
CANTAR
en egipcio puede traducirse como “hacer música con la mano” y la
figuración jeroglífica de este vocablo se simboliza con un antebrazo con
su mano.
Imperio
medio: Los poderosos faraones de la dinastía 18 extendieron sus límites
hacia el Asia, llegando la nación a su apego con Tutmosis 3 que
extiende sus fronteras desde el Alto Eufrates en Asia, hasta la cuarta
catarata en Africa.
Estos
nuevos entregan tradiciones y cultura orientales, la asimilación de
costumbres orientales a pesar de ser los egipcios reacios y
despreciativos por todo lo extranjero.
Así
se estableció en la corte del faraón una orquesta de origen sirio,
instrumentos extraños colmaron el palacio del faraón, la música se
vuelve más estrepitosa; la danza más vivaz.
En Asia la profesión musical estaba en manos de las esclavas.
Aumenta el numero de instrumentos de percusión, extensión y numero de cuerdas.
Imperio nuevo:
INSTRUMENTOS
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Cuerda
Arpas :Eran ornamentadas con oro, plata y piedras preciosas.
Cítara asiática: Sus cuerdas entre 5 y 18 se punteaban con plectro o con los dedos.
Guitarra: Es de largo y muy fino mástil. Pequeña caja con dos o tres cuerdas y numerosos trastes que marcan intervalos reducidos.
Viento
Flauta larga: Una sencilla caña que los ejecutantes colocaban oblícuamente ante la boca.
Oboe doble: Dos cañas largas y delgadas, posiblemente producían un sonido pedal.
Trompetas: Especialmente usadas en cortejos y manifestaciones guerreras.
Percusión
Sistros: Formado por una horqueta atravesada por varillas de metal las cuales se insertaban pequeños platillos a manera de cascabeles.
Crótalos: Es
el antecedente más antiguo de nuestras castañuelas. Eran dos placas de
metal que se percutían estrechándolas. También podían ser de marfil o de
madera, en cuyo caso tenían la curiosa forma de un antebrazo con su
mano.
Tambores: Algunos se utilizaban solo para la guerra; otros para la danza.
Címbalos: Instrumento de talón o cobre mezclado con plata con un diámetro entre 14 a 18cm.
Parte II. Música de los Continentes de la Antigüedad
INDIA
Oriente y occidente:
Hoy
en día gracias al avance de los medios de comunicación y la tendencia
de asimilar tradiciones y valores orientales, la música hindú se ha
incorporado al patrimonio cultural de Occidente. Incluso la música beat,
con sus ritmos febriles tomó elementos de la música hindú, en parte
para enriquecer su lenguaje y también como postura filosófica.
Testimonio: La leyenda es el origen mismo de la música hindú.
Saraswati, la diosa de la elocuencia y de la música fijó la escala musical, y el dios Nareda inventó la vina.
Los poemas épicos el Ramayama y el mahabarata revelan la alta estima que los hindúes tenían por la música.
Los músicos tenían cargos importantes en las cortes al servicio de los monarcas.
En
el libro sagrado de los Vedas se comentan algunas de las canciones
interpretadas por solistas y dirigidas por un director de coro que
llevaba el compás con las manos y a veces con platillos.
En
los libros está la correcta manera de emitir sonidos y se había
concebido un sistema pera considerar los distintos tipos del registro
vocal.
Estas formas estaban asociadas a imitaciones simbólicas de cantos de animales salvajes.
Los
géneros vocal e instrumental eran cultivados separadamente aunque el
primero de ellos era el que gozaba de mayor difusión. La música
instrumental era asociada con la voz o con la danza.
Evolución del arte musical: períodos
1-Período Védico: 2000 a.c.
2-Período Clásico: 600 a.c. se inicia con Buda
3-PeríodoModerno:Edad media
SISTEMAS TONALES:
El
pueblo hindú conoció la escala pentafónica que luego evolucionaría
hacia la escala heptafónica que constituían la octava. Estos sonidos
podían ser fraccionados en intervalos más pequeños llamados Sruti que
sumaban un total de 22 siempre dentro de la octava.
Una
de las experiencias de los compositores del siglo xx reside justamente
en la división de la octava en 24 sonidos y a pesar de que el Sruti es
un intervalo algo mayor que el cuarto de tono.
RAGAS:
Raga es una melodía o tema que era tomado como base para la composición musical, era producto de la improvisación.
Cada raga podía ser modificado rítmica y melódicamente. Del raga básico nacían nuevos cantos.
Un autor hindú confeccionó una minuciosa lista donde incluyó 264 ragas.
Así
habían ragas que tenían carácter pasional, otros heroico o
contemplativo, los había también para dar fertilidad a la tierra y para
amansar a las bestias.
INSTRUMENTOS
Cuerda
Vina: Especie de citara con mango de bambú con cinco cuerdas y cinco clavijas
Tenía
un mango de madera dispuesto sobre dos calabazas vacías y provistos de
19 puentecillos sobre los que se apoyaban las cuerdas.
Sarangui Violín
primitivo. Instrumento que posee cuatro cuerdas básicas frotadas por un
arco; además tiene otras que están ubicadas en otros planos y que
vibran por simpatía.
Sitar: Laúd
de mango largo en el cual se apoyan las cuerdas. El mango termina en la
caja de resonancia que aumenta el volumen del sonido.
Viento
Magudi: Vulgarmente llamado flauta del encantador de serpientes. Es un instrumento de doble tubo que produce un sonido pedal.
Shanai: Trompeta larga, recta, de metal, pentafónica
Percusión
Tambores
Platillos
Campanillas
Campanas
domingo, 20 de mayo de 2012
Música en África
África
es un continente heterogéneo, con una gran diversidad étnica y
cultural, compuesto por 52 naciones independientes, unas mil lenguas y
al menos cinco grupos culturales mayoritarios. A pesar de que dista 15
km. de Europa, nunca tan pocos kilómetros han creado tanta distancia,
existiendo un gran desconocimiento de los diferentes pueblos, culturas,
manifestaciones artísticas que se encuentran en este continente.
Su historia reciente
está marcada por hechos tan relevantes como la salida masiva e
involuntaria de ciudadanos como esclavos a Europa y América, así como la
colonización occidental de gran parte de su territorio que va
recuperando paulatinamente la “independencia” a lo largo del siglo XX.
La música africana
ha sido llevada por sus músicos a todos los lugares del mundo,
especialmente a Europa y América, surgiendo de estos contactos, estilos
tan relevantes para la música actual como el blues, el jazz, el reggae,
el country, la música cubana y latina en general, etc.
Si la música
occidental comenzó a colonizar África durante la primera mitad del siglo
XIX, será sobre todo en la segunda mitad del s. XX, en la época
postcolonial, cuando surja la conciencia de identidad africana,
valorando en condiciones de igualdad las tradiciones africanas y las
llegadas de fuera, consiguiendo un verdadero interculturalismo del que
surge el amplio panorama musical actual, de gran riqueza, tanto
tradicional en las manifestaciones culturales menos occidentalizadas,
como en las surgidas de la fusión y el intercambio, siendo éstas últimas
muy populares en occidente.
África occidental
Esta zona está
constituida entre otros, por los siguientes países: Cabo Verde, Mali,
Senegal, Gambia, Guinea, Sierra Leona, Ghana, Nigeria, Camerún etc.
En esta área
predomina la tradición cultural mandinga. La historia mandinga al igual
que otras culturas africanas, no está escrita por lo que había un grupo
social, los Griots, encargado de narrar y transmitir oralmente la
historia de esta cultura, desempeñando el papel de la memoria del pueblo
africano.
Desde sus orígenes,
el imperio mandinga se organizaba en castas, y cada una estaba dedicada a
una actividad (tejedores, herreros, guerreros, músicos, etc.) La
persona que nacía en una casta estaba destinada a realizar el oficio o
la actividad propia de la misma.
Los Griots eran
músicos, historiadores y cantantes que transmitían su arte de generación
a generación, y desde la Edad Media, fueron los cronistas oficiales de
esta cultura, para ello crearon un soporte musical y se acompañaban de
instrumentos que se adaptaban a los lenguajes y ritmos utilizados.
África central
La segunda área
musical de importancia es la de influencia bantú que ocupa un extenso
espacio geográfico: parte de Camerún, Gabón, Zaire, Uganda, Kenia,
Tanzania, Angola, etc.
Es estos países la
música está íntimamente ligada al lenguaje hablado, así muchas de las
lenguas bantú al igual que otras lenguas africanas, son tonales, es
decir, que no se puede cambiar el ritmo y el contorno melódico de una
frase sin cambiar el sentido de la misma.
De este modo, la
música puede imitar los ritmos y melodías del lenguaje haciendo “hablar”
a los instrumentos. Entre los instrumentos podemos destacar, todo tipo
de tambores, en especial el llamado tambor parlante, cítaras, el arco
musical, etc. Otra característica de la música de esta zona es el uso de
la polifonía tanto vocal como instrumental, y la presencia también de
pueblos tamborileros.
África del sur
Esta zona ocupada
históricamente por los bosquimanos y los hotentotes, se extiende por
parte de Angola, Zambia, Zimbabwe, Mozambique, Sudáfrica, etc.
Una de las
características musicales de estos pueblos es la polifonía (la presencia
de pueblos bantúes como el Zulú, ha supuesto una continuidad con los
comportamientos musicales de África central.
Entre los
instrumentos hay que destacar principalmente el piano del pulgar, o
sanza, que es uno de los instrumentos más utilizados en algunos de estos
países como Zimbabwe.
La música africana actual
Si en la música
popular de occidente, la influencia de la música africana ha sido
decisiva especialmente en su discurso rítmico, la música africana a su
vez, no ha sido ajena a los estilos occidentales, así la nueva música
africana es una mezcla que combina la tradición (ritmos, instrumentos,
esquemas melódicos, etc.) con influencias tanto europeas, americanas,
como de oriente próximo.
La música africana
moderna, surge en las calles de las grandes ciudades, a menudo en los
barrios más desfavorecidos, mezclando con una gran habilidad, los
elementos más vitales de la cultura tradicional con las técnicas más
modernas buscando establecer un equilibrio entre la música occidental y
sus raíces africanas.
Un gran número de
artistas han jugado un papel decisivo en la difusión del pop africano,
del afro-rock, y de los auténticos lenguajes musicales africanos en
occidente, poniendo las bases para un mayor conocimiento de la tradición
musical africana.
África occidental
En los países situados en esta zona, la música latina ha sido una de las más influyentes.
- Cabo Verde es un
archipiélago de origen volcánico compuesto por nueve islas situadas a
600 km de la costa africana al noroeste de Senegal, un país que vive de
la agricultura y la pesca y en el que se va consolidando la oferta
turística. Colonia portuguesa hasta su independencia en 1975. La música
que se realiza en esta zona está emparentada con estilos portugueses y
brasileños (fados, samba, etc).
En general, los
músicos de Cabo Verde combinan la utilización de instrumentos
tradicionales africanos con instrumentos venidos del exterior y su
armonía está dominada por un toque latino muy característico.
Una de las
principales figuras es la cantante Cesarea Evora la mejor interprete de
“morna” un estilo de música lenta, nostálgica, cuyo tema favorito es el
amor, estilo claramente influenciado por el fado portugués. Conocida y
admirada en su país no fue descubierta internacionalmente hasta 1985
siendo unánimemente aclamada por la crítica.
Parte III. Música en los Continentes de la Antigüedad
CHINA
Los chinos poseían un arte musical bastante desarrollado, a nivel instrumental, práctico y teórico.
La música china conservó sus características propias.
Encontramos datos sobre instrumentos musicales en “el libro de los cantos” del siglo 12 a.c.
Información que se refiere a los tiempos primitivos.
El
documento más importante es el “Memorial de la música”, en él se
exponen la doctrina musical china y la concepción filosófica que este
pueblo tenía por la música.
EVOLUCIÓN DEL ARTE MUSICAL: PERÍODOS
1-Antigüedad Siglo11 al 3 a.c.
Se centra en tres manifestaciones fundamentales:
a- La música en las festividades agrícolas.
b- La música en la corte imperial.
La música en el ritual religioso
Segundo período siglo3 a.c. a 10 d.c.
En
el siglo 1 d.c. llegaron desde la India los primeros monjes budistas
que entre el siglo 3 al 7 llegaron a imponer sus cantos rituales
entonados por un solista y un pequeño grupo coral con partes
instrumentales a cargo de la percusión.
Luego la importación musical proviene de otros lugares próximos al imperio, Mongolia, Tibet, Camboya.
La danza se convierte oficialmente en parte importante de las ceremonias confucianas.
La
trilogía poesía, música, danza había sido muy considerada por el pueblo
chino: la poesía expresaba una idea, la música modulaba sonidos y la
danza animaba las actitudes.
En el teatro chino cantantes y actores representaban pequeñas escenas a manera de títeres humanos.
Un pequeño drama musical ”El Pastorcillo” basado en la escala de cinco sonidos aún se conserva y data y data de esta época.
SISTEMAS TONALES
La escala básica china es pentáfona, las melodías provenían de esta escala.
De cualquier forma los chinos concibieron una escala de 12 sonidos.
Existe una leyenda que narra el origen de esta escala de doce sonidos.
A
pesar d que china elaboró su música partiendo de una estructura
pentáfona es probable que halla coexistido otra escala de 7 sonido.
INSTRUMENTOS
Viento
Scheng: Formado por una serie de tubos de distinta longitud, superpuestos a una calabaza.
Pai Siao: Similar a la flauta de pan griega.
Ti o flauta traversa: Heptáfona
Percusión
Campanas: Generalmente relacionada con símbolos mágicos y religiosos.
Gong: Instrumento de metal de forma circular que se percute con un mazo.
Litófonos: o piedras sonoras generalmente de jade.
Cuerda
King: Especie de laúd que en sus orígenes tuvo 5 cuerdas de seda según la escala pentafónica china.
Che:
Especie de cítara en la cualcadauna de sus cuerdas producían un solo
sonido porque no se acortaba nunca y por ello llogó a tener cerca de 50,
hasta que un emperaor redujoeste número a la mitad.
Guitarra: De cuatro cuerdas.
Opera
La ópera (del italiano opera, "obra musical") designa, desde
aproximadamente el año 1650, un género de música teatral en el que una
acción escénica es armonizada, cantada y tiene acompañamiento
instrumental (en algunas ocasiones con pequeños adornos), donde los
actores utilizan estilos poco comunes al cantar. Las presentaciones son
ofrecidas típicamente en teatros de ópera, acompañados por una orquesta o
una agrupación musical menor. La ópera forma parte de la tradición de
la música clásica europea u occidental.
A diferencia del oratorio, la ópera es una obra destinada a ser representada. Varios géneros de teatro musical están estrechamente relacionados con la ópera, como son la zarzuela española, el Singspiel alemán, laOpereta vienesa, la Opéra-comique francesa y el Musical inglés y estadounidense. Cada una de estas variantes del teatro musical tiene sus características propias, sin que tales les sean privativas y, en no pocas ocasiones, provocando que las fronteras entre tales géneros no sean claras. En la ópera, como en varios otros géneros del teatro musical, se une:
A diferencia del oratorio, la ópera es una obra destinada a ser representada. Varios géneros de teatro musical están estrechamente relacionados con la ópera, como son la zarzuela española, el Singspiel alemán, laOpereta vienesa, la Opéra-comique francesa y el Musical inglés y estadounidense. Cada una de estas variantes del teatro musical tiene sus características propias, sin que tales les sean privativas y, en no pocas ocasiones, provocando que las fronteras entre tales géneros no sean claras. En la ópera, como en varios otros géneros del teatro musical, se une:
- la música (orquesta, solistas, coro y director);
- la poesía (por medio del libreto);
- las artes escénicas, en especial la actuación, el ballet y la danza;
- las artes escenográficas (pintura, artes plásticas, decoración, arquitectura);
- la iluminación y otros efectos escénicos;
- el maquillaje y los vestuarios.
La ópera se suele diferenciar de los otros géneros de teatro musical
aceptándose que, a diferencia de ellos, la ópera es una representación
completamente acompañada por música. La historia del género demuestra
que tal afirmación no es correcta. Si bien la ópera se diferencia del
teatro recitado por la extraordinaria participación de la música en su
constitución, ya desde el barroco se conocían formas limítrofes como laMascarada, la Ópera de baladas, la Zarzuela y el Singspiel que se confunden en no pocos casos con la ópera. Así, los Singspiele de Wolfgang Amadeus Mozart se consideran óperas al igual que las zarzuelas de José de Nebra, mientras que Die Dreigroschenoper (la
Ópera de los tres centavos) de Kurt Weill está, en realidad, mucho más
próxima al teatro recitado que a la ópera. Finalmente, hay otros géneros
próximos a la ópera como lo son las ópera-ballet del barroco francés y algunas obras neoclasicistas del siglo XX como, por ejemplo, algunas obras de Igor Stravinsky.
No obstante, en estas obras la parte principal expresiva recae en la
danza mientras que el canto es relegado a un papel secundario. Al
respecto de la diferencia entre la ópera y la Zarzuela, la Opereta, el
Singspiel y el Musical inglés y estadounidense, la delimitación nace de
una diferencia formal.
Voces operísticas
La voz
para el canto operístico requiere ciertas características y cualidades.
Se desarrolla con largos años de estudio y entrenamiento porque implica
un desarrollo muscular de todo el aparato u órgano fonador o emisor de
la voz que incluye además de las cuerdas vocales, el uso del diafragma y
la resonancia de la cavidad bucal y los senos paranasales. De todo esto
resulta el tipo de voz peculiar que se denomina "impostada", es decir
que es producto de la colocación y proyección específica y controlada
del aire. Se divide en tres partes, voz de pecho, voz de garganta y voz
de cabeza. Cada cantante posee una extensión y un registro particular.
Dentro de esa extensión (número de notas que abarca, que va de 2 a 3
octavas), se encuentran los cambios de cada una de las tres colocaciones
de la voz. Por lo anterior, la voz operística demanda un entrenamiento
constante y continuo conocido como vocalización, pues el abandono de
dicho entrenamiento conlleva la disminución de la capacidad muscular y
respiratoria.
Los cantantes
de ópera y los roles que interpretan se clasifican en tipo de voz,
basado en características tales como tesitura, agilidad, potencia
y timbre de sus voces.
Los
varones pueden ser clasificados por su rango
vocal como bajo, bajo-barítono, barítono, tenor y contratenor, y las
mujeres en contralto,mezzosoprano y soprano.
Los
varones algunas veces pueden cantar en el registro vocal femenino, en
cuyo caso se denominan sopranista o contratenor. De éstos, sólo el
contratenor es comúnmente encontrado en la ópera, algunas veces cantando
partes escritas para castrato (varones castrados en una temprana edad
para darles un rango vocal más alto del normal).
Las
clasificaciones pueden ser más específicas, por ejemplo, una soprano
puede ser descrita como soprano ligera, soprano de coloratura,soprano
soubrette, soprano lírica, soprano lírico spinto o soprano dramática.
Estos términos, aunque no describan totalmente la voz, la asocian con
los roles más convenientes para las características vocales del
cantante.
La voz de
cada cantante en particular puede cambiar drásticamente a lo largo de
su vida, raramente se alcanza la madurez vocal antes de la tercera
década, y algunas veces, hasta la mediana edad.
Sí, las últimas 3 corrientes musicales están muy asociadas con la
historia de las demás artes. Barroco con el estilo barroco (en pintura y
escultura, muy adornado), el Clásico (con la literatura) y el
Romanticismo en música está muy afín de la literatura Romántica.
Y enfoncándonos a la materia, el Romanticismo trajo consigo muchas renovaciones a la música.
La
música en este período busca la espontaneidad, la exuberancia y la
pasión, a diferencia del clasicismo, en que se busca la serenidad, la
claridad, el equilibrio, la mesura y la calma.
En este período se observan tres hechos musicales muy importantes:
*Los romántico hicieron del PIANO el rey de los instrumentos, los compositores escribían obras para él con un alto grado de complejidad. También era capaz de expresar las cualidades más buscadas por los románticos: brillantez e intimidad.
*Los virtuosos hicieron evolucionar la técnica musical y eran llamados así porque cantaban, tocaban o dirigían con extraordinaria habilidad.
*Los conciertos públicos.
A diferencia del CLASICISMO, se luchó por lograr una creación artística libre, que diera cauce a los sentimientos humanos y a la inspiración del autor, es decir sin respetar las reglas de composición como en el clásico.
* Interés por los temas relacionados con lo exótico, lo oriental y con el pasado.
* La música absoluta es la música instrumental que se impone a la música vocal y su forma musical predilecta la sinfonía.
* Interés por las grandes formas: sinfonía y concierto que se expanden y modifican y también un gusto por pequeñas formas para piano o para piano y voz. Además nace la música programática que pretende narrar a través de la música instrumental un tema literario ( poema sinfónico ).
Se
producen importantes mejoras técnicas en los instrumentos de viento:
Los de madera introducen el sistema de llaves y los de metal el sistema
de pistones (trompetas) y de válvulas (trompas).
Adolph Sax inventa el saxofón .
La orquesta romántica crece en proporciones y en variedad de instrumentos con respecto a la del Clasicismo
*En la sección de las maderas se introduce el flautín, el corno inglés, y el contrafagot.
*Aparece la tuba en la orquesta, instrumento más grave de viento metal.
*Aumenta la sección de la percusión
PRIMER ROMANTICISMO : Beethoven, Schubert y Rossini
ROMANTICISMO PLENO : Chopin, Liszt, Schumann, Berlioz, Mendelssohn, Bellini, Verdi, Wagner.
ROMANTICISMO TARDÍO : Brahms, Saint- Saëns
POSTROMANTICISMO : Richard Strauss, Mahler, Puccini
Frederic Chopan. Un gran pianista romántico. Espero que les agrade el siguiente vídeo que es
"Waltz #3 in A Minor"
http://www.youtube.com/watch?v=JEBTjYcALUo
.
Y enfoncándonos a la materia, el Romanticismo trajo consigo muchas renovaciones a la música.
Romanticismo Musical
En este período se observan tres hechos musicales muy importantes:
*Los romántico hicieron del PIANO el rey de los instrumentos, los compositores escribían obras para él con un alto grado de complejidad. También era capaz de expresar las cualidades más buscadas por los románticos: brillantez e intimidad.
*Los virtuosos hicieron evolucionar la técnica musical y eran llamados así porque cantaban, tocaban o dirigían con extraordinaria habilidad.
*Los conciertos públicos.
A diferencia del CLASICISMO, se luchó por lograr una creación artística libre, que diera cauce a los sentimientos humanos y a la inspiración del autor, es decir sin respetar las reglas de composición como en el clásico.
Características de la Música del Romanticismo
* Interés por los temas relacionados con lo exótico, lo oriental y con el pasado.
* La música absoluta es la música instrumental que se impone a la música vocal y su forma musical predilecta la sinfonía.
* Interés por las grandes formas: sinfonía y concierto que se expanden y modifican y también un gusto por pequeñas formas para piano o para piano y voz. Además nace la música programática que pretende narrar a través de la música instrumental un tema literario ( poema sinfónico ).
Instrumentos en el siglo XIX y la Orquesta Romántica
Adolph Sax inventa el saxofón .
La orquesta romántica crece en proporciones y en variedad de instrumentos con respecto a la del Clasicismo
*En la sección de las maderas se introduce el flautín, el corno inglés, y el contrafagot.
*Aparece la tuba en la orquesta, instrumento más grave de viento metal.
*Aumenta la sección de la percusión
Periodos de la música romántica y principales compositores
PRIMER ROMANTICISMO : Beethoven, Schubert y Rossini
ROMANTICISMO PLENO : Chopin, Liszt, Schumann, Berlioz, Mendelssohn, Bellini, Verdi, Wagner.
ROMANTICISMO TARDÍO : Brahms, Saint- Saëns
POSTROMANTICISMO : Richard Strauss, Mahler, Puccini
Frederic Chopan
Frederic Chopan. Un gran pianista romántico. Espero que les agrade el siguiente vídeo que es
"Waltz #3 in A Minor"
http://www.youtube.com/watch?v=JEBTjYcALUo
.
En la entrada anterior les puse una canción de Vivaldi. Aprécienla.
Y ahora les presento una canción de Beethoven, notarán también, después de leer lo qué es Barroco y Clasicismo, que no es lo mismo
Beethoven Sinfonía No. 9
http://www.youtube.com/watch?v=YAOTCtW9v0M&feature=related
MÚSICA CLÁSICA
La música clásica surgió tomando elementos de otras tradiciones musicales: la música de la Antigua Grecia, la música de la Antigua Roma (sobre todo por sus contribuciones teóricas) y la música de la Iglesia católica (principalmente el canto gregoriano). Los hitos que definieron su rumbo, sin embargo, fue el descubrimiento y posterior desarrollo de la polifonía, así como el posterior desarrollo de la armonía, la revolución musical conocida como la evolución de la notación musical, además del estudio de la estética musical. Con la era de los descubrimientos que comenzó en el siglo XV y posterior colonialismo, la música clásica llegó a otros continentes y sufrió una síntesis con las tradiciones musicales de los nuevos territorios.
ESENCIA DEL CLASICISMO
CUALIDADES QUE DEFINEN LA MUSICA CLÁSICA
*Se busca una música delicada, muy brillante, alegre y plástica.
Para ello la melodía toma una importancia enorme y se convierte en el elemento básico de esta música, la melodía es el alma de la música clásica. Para encontrar estas melodías se va a recurrir a la música popular, música folklórica.
*Estas melodías se construyen de tal forma que reflejan esa perfección, con frases de ocho compases (divididas en dos períodos de cuatro y cuatro) de dieciséis (ocho mas ocho) o de seis (tres mas tres). Es decir se crean unas melodías enormemente regulares.
*Se pierde el ritmo mecánico del Barroco, en favor de ritmos más naturales y variados proviniendo muchas veces precisamente de la melodía.
*Se buscan tonalidades fáciles y simples, con preferencia de los tonos mayores sobre los menores, éstos sólo se usan cuando la música quiere llegar a fuertes esferas de la expresión; esta es una de las razones por lo que la música clásica aparece como algo alegre, brillante y claro.
*El clasicismo se expresa sobre todo a través de la forma Sonata y la Sinfonía y secundariamente con otras formas de carácter popular como la Serenata, la Casación y el Divertimento.
*La música clásica tendrá como ideal el crear algo puramente bello, es decir, una música que no sirva a ninguna finalidad fuera de si misma, por ello que no intente servir, representar, imitar, que sea un arte que se sostenga por si mismo, sin propósitos concretos.
*La norma del Clasicismo es construir una música lo más simple posible, y por ello simboliza al hombre como ser armónico y sin problemas.
Por fin el Clasicismo ayudado de los ideales de la Revolución Francesa va a conseguir extender la música a la mayor cantidad posible de público, que desde ahora va a comenzar a valorar en toda Europa enormemente la música.
La música del periodo barroco es el estilo musical, relacionado con la
época cultural europea homónima, que abarca desde el nacimiento de la
ópera en el siglo XVII (aproximadamente en 1600) hasta la mitad del
siglo XVIII (aproximadamente hasta la muerte de Johann Sebastian Bach,
en 1750).
El término barroco se tomó de la arquitectura (donde designaba algo «retorcido», una construcción «pesada, elaborada, envuelta», siendo el significado original del término un lusismo que describía una perla deformada o joya falsa). En el siglo XVIII se usó en sentido peyorativo para describir las características del género musical del siglo anterior, que se consideraba «tosco, extraño, áspero y anticuado».
*Se impone el sistema armónico, es decir, la tendencia vertical, hay una voz principal y un acompañamiento armónico.
*Se emplea la disonancia.
*El ritmo está muy marcado.
*Comienzan a diferenciarse los estilos instrumental y vocal
*Su cualidad más notoria es probablemente el uso del bajo continuo y el desarrollo de la armonía tonal, a diferencia de la anterior, modal.
Algunas de sus características son compartidas por el movimiento homónimo en las artes plásticas. Entre estos destacan los contrastes violentos, una gran pasión por la ornamentación, pompa y esplendor en los espectáculos públicos, y el llamado «estilo concertante» basado en contrastes sonoros y un diálogo entre el solista y el ripieno y que daría pie al concerto grosso.
Barroco temprano (1580 - 1630). Se empieza a dar un valor afectivo y violento a las palabras a través de la música. Las obras son de poca extensión, se busca la disonancia.
Se trata de una de las épocas musicales más largas, fecundas y revolucionarias de la música occidental, así como la más influyente. Su característica más notoria es probablemente el uso del bajo continuo y el desarrollo de la armonía tonal, que la diferencia profundamente de los anteriores géneros modales.
Barroco medio (1630 - 1680). Se dan la ópera y la cantata. Comienza la distinción entre aria, arioso y recitativo.
En él sobresalieron entre otros los compositores Jean-Baptiste Lully (1632-1687) y Henry Purcell (1659 - 1695), en Francia e Inglaterra respectivamente y su contemporáneo alemán Johann Pachelbel (1653 - 1706).
Último Barroco (1680 - 1750). Aparece el concerto y se hace énfasis en el ritmo muy marcado. La música instrumental domina a la vocal.
Sus compositores característicos son: en España Domenico Scarlatti, en Italia Antonio Vivaldi, en Inglaterra Georg Friedrich Händel, en Alemania Johann Sebastian Bach y en Francia Jean Philippe Rameau.
A) Formas instrumentales. En este periodo, los instrumentos son perfeccionados.
SUITE: Es la unión en una sola obra de varias danzas de distinto carácter. Normalmente se unen danzas de distintas naciones: Zarabanda, de España; Bourré, de Francia; Allemande, de Alemania.
SONATA: “Musica para ser sonada”. Suele ser para instrumentos solistas, como piano. Los movimientos de los que consta son:
-Allegro
-Andante
-Moderato
-Vivace
CONCERTO: Suele constar de tres movimientos contrapuestos:
Allegro - Lento - Allegro
Será concerto grosso si es para un grupo de solistas (concertino) y orquesta (tutti). Y concerto solo si es para un solista (solo) y la orquesta. El mas destacado compositor de concertos es Vivaldi.
B) Formas vocales profanas.
OPERA: Forma musical de carácter narrativo con representación escénica. Suele tener una obertura (parte instrumental que la precede) e interludios (partes instrumentales que se intercalan durante la opera en sí). Hay dos clases de opera: la Opera seria, estructurada en arias y recitativos, en la que el coro carece de importancia, que es de carácter aristocrático; la Opera bufa, en cambio, es de carácter popular y usa elementos del folclore, frases cortas y frecuentes repeticiones.
C) Formas vocales religiosas.
ORATORIO: Forma de carácter narrativo sin representación escénica. En ella se canta un drama de carácter religioso sobre el Antiguo o el Nuevo Testamento, y los personajes no actúan, solo cantan. Intervienen la orquesta, los coros y los solistas.
CANTATA: Es una forma musical compuesta sobre un texto religioso de carácter lírico en el que intervienen solo orquesta y coro.
Se realizan además misas, motetes barrocos y música de órgano.
RECOMENDACIÓN:
Vivaldi, que apareció en e periodo de El Último Barroco, hizo 4 piezas llamadas "Las Cuatro Estaciones"
Les dejo "Verano" que, a mi parecer, es la más bella de las 4
http://www.youtube.com/watch?v=Es9RgQGw3Gk
Que sea de vuestro agrado.
El término barroco se tomó de la arquitectura (donde designaba algo «retorcido», una construcción «pesada, elaborada, envuelta», siendo el significado original del término un lusismo que describía una perla deformada o joya falsa). En el siglo XVIII se usó en sentido peyorativo para describir las características del género musical del siglo anterior, que se consideraba «tosco, extraño, áspero y anticuado».
CUALIDADES QUE DEFINEN LA MÚSICA BARROCA
*Se impone el sistema armónico, es decir, la tendencia vertical, hay una voz principal y un acompañamiento armónico.
*Se emplea la disonancia.
*El ritmo está muy marcado.
*Comienzan a diferenciarse los estilos instrumental y vocal
*Su cualidad más notoria es probablemente el uso del bajo continuo y el desarrollo de la armonía tonal, a diferencia de la anterior, modal.
Algunas de sus características son compartidas por el movimiento homónimo en las artes plásticas. Entre estos destacan los contrastes violentos, una gran pasión por la ornamentación, pompa y esplendor en los espectáculos públicos, y el llamado «estilo concertante» basado en contrastes sonoros y un diálogo entre el solista y el ripieno y que daría pie al concerto grosso.
PERIODOS DE LA MÚSICA BARROCA
Barroco temprano (1580 - 1630). Se empieza a dar un valor afectivo y violento a las palabras a través de la música. Las obras son de poca extensión, se busca la disonancia.
Se trata de una de las épocas musicales más largas, fecundas y revolucionarias de la música occidental, así como la más influyente. Su característica más notoria es probablemente el uso del bajo continuo y el desarrollo de la armonía tonal, que la diferencia profundamente de los anteriores géneros modales.
Barroco medio (1630 - 1680). Se dan la ópera y la cantata. Comienza la distinción entre aria, arioso y recitativo.
En él sobresalieron entre otros los compositores Jean-Baptiste Lully (1632-1687) y Henry Purcell (1659 - 1695), en Francia e Inglaterra respectivamente y su contemporáneo alemán Johann Pachelbel (1653 - 1706).
Último Barroco (1680 - 1750). Aparece el concerto y se hace énfasis en el ritmo muy marcado. La música instrumental domina a la vocal.
Sus compositores característicos son: en España Domenico Scarlatti, en Italia Antonio Vivaldi, en Inglaterra Georg Friedrich Händel, en Alemania Johann Sebastian Bach y en Francia Jean Philippe Rameau.
GÉNEROS Y FORMAS INSTRUMENTALES
A) Formas instrumentales. En este periodo, los instrumentos son perfeccionados.
SUITE: Es la unión en una sola obra de varias danzas de distinto carácter. Normalmente se unen danzas de distintas naciones: Zarabanda, de España; Bourré, de Francia; Allemande, de Alemania.
SONATA: “Musica para ser sonada”. Suele ser para instrumentos solistas, como piano. Los movimientos de los que consta son:
-Allegro
-Andante
-Moderato
-Vivace
CONCERTO: Suele constar de tres movimientos contrapuestos:
Allegro - Lento - Allegro
Será concerto grosso si es para un grupo de solistas (concertino) y orquesta (tutti). Y concerto solo si es para un solista (solo) y la orquesta. El mas destacado compositor de concertos es Vivaldi.
B) Formas vocales profanas.
OPERA: Forma musical de carácter narrativo con representación escénica. Suele tener una obertura (parte instrumental que la precede) e interludios (partes instrumentales que se intercalan durante la opera en sí). Hay dos clases de opera: la Opera seria, estructurada en arias y recitativos, en la que el coro carece de importancia, que es de carácter aristocrático; la Opera bufa, en cambio, es de carácter popular y usa elementos del folclore, frases cortas y frecuentes repeticiones.
C) Formas vocales religiosas.
ORATORIO: Forma de carácter narrativo sin representación escénica. En ella se canta un drama de carácter religioso sobre el Antiguo o el Nuevo Testamento, y los personajes no actúan, solo cantan. Intervienen la orquesta, los coros y los solistas.
CANTATA: Es una forma musical compuesta sobre un texto religioso de carácter lírico en el que intervienen solo orquesta y coro.
Se realizan además misas, motetes barrocos y música de órgano.
RECOMENDACIÓN:
Vivaldi, que apareció en e periodo de El Último Barroco, hizo 4 piezas llamadas "Las Cuatro Estaciones"
Les dejo "Verano" que, a mi parecer, es la más bella de las 4
http://www.youtube.com/watch?v=Es9RgQGw3Gk
Que sea de vuestro agrado.
La música medieval es uno de los temas más apasionantes que la cultura en la Edad Media nos brinda.
A ello no es ajeno el hecho de que la forma de la música medieval es un misterio. A diferencia de otras manifestaciones artísticas que perduran en el tiempo, la música desaparece en el momento de desarrollarse y la única forma de hacerla pervivir es mediante una notación musical que en la Edad Media o no se empleaba o se hacía de manera muy pobre en información, insuficiente en la mayoría de los casos para una reproducción fiel.
Lo que si sabemos es que la música de los cristianos del Imperio Romano de la que va a ser heredera la medieval, se basó en repertorios ya existente.
En los primeros tiempos, la música medieval recibe dos influencias palpables:
*Influencia hebrea. Se recoge el modo hebreo de cantar a base de largos melismas y la importancia del canto en el culto.
*Influencia grecorromana. Del mundo clásico se hereda la teoría musical con su sistema modal y la valoración ética y educativa de la música expresada por Platón.
Uno de los aspectos más interesantes de la música medieval fueron los instrumentos musicales empleados en la época.
Gracias a su representación en esculturas románicas y góticas y a los códices, en que son destacables las Cantigas de Alfonso X, se han podido reproducir y actualmente existen fabricantes especializados. Mediante su sonido, podemos acercarnos mejor a lo que fue la música popular medieval.
Algunos de los instrumentos más utilizados en la Edad Media fueron:
*Dulzaina. Se trata un instrumento de viento de madera de forma cónica y doble lengüeta.
*Arpa. Es uno de los instrumentos más antiguos de la humanidad y que más aparece representado.
Los que aparecen en la iconografía española están relacionados con los modelos irlandeses.
En la iconografía del románico es muy frecuente representar no sólo hombres con arpa sino incluso animales.
*Salterio. una cítara pulsada, con un cuerpo que puede adoptar diferentes formas: trapezoidal, cuadrada, triangular o de hocico de cerdo.
*Organistrum. Es un instrumento de gran tamaño de cuerda frotada. Se caracteriza porque las cuerdas están en el interior y son frotadas por una rueda de madera impregnada de resina accionada por una manivela del extremo opuesto al clavijero.
Las cuerdas se seleccionan gracias a unas teclas o clavijas. Dado su tamaño, era necesaria la intervención de dos músicos, que lo sujetaban sobre sus piernas.
*Rabel. Instrumento medieval cordófono de tres cuerdas, tocado con arco.
Su caja de resonancia tiene forma de pera y en ocasiones alargada. El mástil es corto y el clavijero, a veces estaba inclinado hacia la derecha, hasta adoptar finalmente forma de hoz.
Se introdujo en Europa durante el siglo X desde el mundo árabe.
*Dulzimer. Era uninstrumento similar al salterio, cuyas cuerdas solían aparecer en órdenes de dos a cuatro. Se tocaba percutiendo las cuerdas con unos macillos de madera.
*Fídula. Instrumento medieval de cuerda frotada con cuerpo oval o elíptico, tapa armónica plana y clavijeros normalmente en forma de disco.
A ello no es ajeno el hecho de que la forma de la música medieval es un misterio. A diferencia de otras manifestaciones artísticas que perduran en el tiempo, la música desaparece en el momento de desarrollarse y la única forma de hacerla pervivir es mediante una notación musical que en la Edad Media o no se empleaba o se hacía de manera muy pobre en información, insuficiente en la mayoría de los casos para una reproducción fiel.
Lo que si sabemos es que la música de los cristianos del Imperio Romano de la que va a ser heredera la medieval, se basó en repertorios ya existente.
En los primeros tiempos, la música medieval recibe dos influencias palpables:
*Influencia hebrea. Se recoge el modo hebreo de cantar a base de largos melismas y la importancia del canto en el culto.
*Influencia grecorromana. Del mundo clásico se hereda la teoría musical con su sistema modal y la valoración ética y educativa de la música expresada por Platón.
Los instrumentos musicales en el mundo medieval
Uno de los aspectos más interesantes de la música medieval fueron los instrumentos musicales empleados en la época.
Gracias a su representación en esculturas románicas y góticas y a los códices, en que son destacables las Cantigas de Alfonso X, se han podido reproducir y actualmente existen fabricantes especializados. Mediante su sonido, podemos acercarnos mejor a lo que fue la música popular medieval.
Algunos de los instrumentos más utilizados en la Edad Media fueron:
*Dulzaina. Se trata un instrumento de viento de madera de forma cónica y doble lengüeta.
*Arpa. Es uno de los instrumentos más antiguos de la humanidad y que más aparece representado.
Los que aparecen en la iconografía española están relacionados con los modelos irlandeses.
En la iconografía del románico es muy frecuente representar no sólo hombres con arpa sino incluso animales.
*Salterio. una cítara pulsada, con un cuerpo que puede adoptar diferentes formas: trapezoidal, cuadrada, triangular o de hocico de cerdo.
*Organistrum. Es un instrumento de gran tamaño de cuerda frotada. Se caracteriza porque las cuerdas están en el interior y son frotadas por una rueda de madera impregnada de resina accionada por una manivela del extremo opuesto al clavijero.
Las cuerdas se seleccionan gracias a unas teclas o clavijas. Dado su tamaño, era necesaria la intervención de dos músicos, que lo sujetaban sobre sus piernas.
*Rabel. Instrumento medieval cordófono de tres cuerdas, tocado con arco.
Su caja de resonancia tiene forma de pera y en ocasiones alargada. El mástil es corto y el clavijero, a veces estaba inclinado hacia la derecha, hasta adoptar finalmente forma de hoz.
Se introdujo en Europa durante el siglo X desde el mundo árabe.
*Dulzimer. Era uninstrumento similar al salterio, cuyas cuerdas solían aparecer en órdenes de dos a cuatro. Se tocaba percutiendo las cuerdas con unos macillos de madera.
*Fídula. Instrumento medieval de cuerda frotada con cuerpo oval o elíptico, tapa armónica plana y clavijeros normalmente en forma de disco.
Hablando cronológicamente, comenzaré hablándoles de los Cantos Gregorianos.
Los cantos gregorianos (o música eclesiástica) de los primeros siglos medievales está al servicio del texto litúrgico de los oficios religiosos.
Pero el caso es que no existía una sola liturgia unificada. De hecho, con la expansión del Cristianismo a partir del siglo IV, se desarrollan diferentes liturgias regionales independientes de Roma:
-Liturgia Ambrosiana o Milanesa
-Liturgia hispanovisigoda o Mozárabe
-Liturgia Galicana,
-Céltica (irlando-británica)
-Liturgia Romana
-en Oriente (la Bizantina/la Siria).
-Ante esta diversidad, la Iglesia ve la necesidad de unificar la liturgia, es decir, de establecer un conjunto de signos y palabras que formen parte de sus celebraciones, especialmente en la Misa, y que sean comunes para todos los fieles.
De este modo, en el siglo VII, el Papa Gregorio I el Magno recopila y organiza una serie de cantos romanos que establece como los obligatorios de la liturgia unificada cristiana.
No será hasta tiempos de Carlomagno cuando se establece como obligatorio en el imperio carolingio el rito romano, muy influido, eso sí, por tradiciones francogermánicas propias. La relación entre los monasterios benedictinos de la Orden de Cluny y el papado impulsan esta liturgia franco-romana y el canto gregoriano por toda Europa.
En este momento se escriben numerosos códices que recogen el canto gregoriano con notación aquitana, lo que ha permitido su recuperación en tiempos modernos.
En España, arraigada al riquísimo y culto rito hispanovisigodo o mozárabe, el cambio no se produce oficialmente hasta el Concilio de Burgos de 1080, en tiempos de Alfonso VI. Sin embargo, a nivel local se siguió usando el rito hispano, especialmente por los mozárabes de Al-Andalus.
El Gregoriano tiene una serie de elementos formales que se pueden resumir en:
*Usa ocho escalas especiales heredadas de los griegos: los modos.
*El ritmo es libre, reducido a una especie de línea ondulante, ligera, muy flexible y que huye de cuanto puede ser excitante y machacón.
*Se persigue una exaltación estético espiritual de acercamiento a Dios gracias a su concentración, solemnidad, sobriedad y sencillez.
*Es monódico, es decir, emplea melodías al unísono. Se canta a capella, sin instrumentos musicales.
*Es el canto latino de la Iglesia, es decir, se canta en latín.
*Es una música ligada a un texto (en concreto, un texto exclusivamente religioso) y que no tiene sentido sin él.
Les dejo un ejemplo:
Los cantos gregorianos (o música eclesiástica) de los primeros siglos medievales está al servicio del texto litúrgico de los oficios religiosos.
Pero el caso es que no existía una sola liturgia unificada. De hecho, con la expansión del Cristianismo a partir del siglo IV, se desarrollan diferentes liturgias regionales independientes de Roma:
-Liturgia Ambrosiana o Milanesa
-Liturgia hispanovisigoda o Mozárabe
-Liturgia Galicana,
-Céltica (irlando-británica)
-Liturgia Romana
-en Oriente (la Bizantina/la Siria).
-Ante esta diversidad, la Iglesia ve la necesidad de unificar la liturgia, es decir, de establecer un conjunto de signos y palabras que formen parte de sus celebraciones, especialmente en la Misa, y que sean comunes para todos los fieles.
De este modo, en el siglo VII, el Papa Gregorio I el Magno recopila y organiza una serie de cantos romanos que establece como los obligatorios de la liturgia unificada cristiana.
No será hasta tiempos de Carlomagno cuando se establece como obligatorio en el imperio carolingio el rito romano, muy influido, eso sí, por tradiciones francogermánicas propias. La relación entre los monasterios benedictinos de la Orden de Cluny y el papado impulsan esta liturgia franco-romana y el canto gregoriano por toda Europa.
En este momento se escriben numerosos códices que recogen el canto gregoriano con notación aquitana, lo que ha permitido su recuperación en tiempos modernos.
En España, arraigada al riquísimo y culto rito hispanovisigodo o mozárabe, el cambio no se produce oficialmente hasta el Concilio de Burgos de 1080, en tiempos de Alfonso VI. Sin embargo, a nivel local se siguió usando el rito hispano, especialmente por los mozárabes de Al-Andalus.
El Gregoriano tiene una serie de elementos formales que se pueden resumir en:
*Usa ocho escalas especiales heredadas de los griegos: los modos.
*El ritmo es libre, reducido a una especie de línea ondulante, ligera, muy flexible y que huye de cuanto puede ser excitante y machacón.
*Se persigue una exaltación estético espiritual de acercamiento a Dios gracias a su concentración, solemnidad, sobriedad y sencillez.
*Es monódico, es decir, emplea melodías al unísono. Se canta a capella, sin instrumentos musicales.
*Es el canto latino de la Iglesia, es decir, se canta en latín.
*Es una música ligada a un texto (en concreto, un texto exclusivamente religioso) y que no tiene sentido sin él.
Les dejo un ejemplo:
Por automático, uno escucha CÁMARA y piensa en alguna fotografía
imprimiéndose o el momento cuando uno captura un acontecimiento con una
cámara (fotográfica).
Nadie toma en cuenta, que la palabra CÁMARA también se refiere a un cuarto, lugar o espacio.
Esta vez les hablaré de las ORQUESTAS DE CÁMARA.
El término Orquesta de Cámara, se basa fundamentalmente en el lugar donde se ejecuta la música, es decir Cámara, o espacio pequeño ( en comparación con los salones de concierto o teatros), como solian ser salones de residencias o palacios, donde se ejecuto incialmente esta música.
No tiene especificaciones en cuanto al tipo de instrumentos que la forman, pero las clásicas orquestas de cámara, han surgido practicamente con el Barroco, siendo las cuerdas los instrumentos principales o más frecuentes. Existen composiciones bellas de este tipo de música para orquesta e instrumentos solistas, como clavicordio, arpa, flauta, piano, guitarra,etc.
Nadie toma en cuenta, que la palabra CÁMARA también se refiere a un cuarto, lugar o espacio.
Esta vez les hablaré de las ORQUESTAS DE CÁMARA.
El término Orquesta de Cámara, se basa fundamentalmente en el lugar donde se ejecuta la música, es decir Cámara, o espacio pequeño ( en comparación con los salones de concierto o teatros), como solian ser salones de residencias o palacios, donde se ejecuto incialmente esta música.
No tiene especificaciones en cuanto al tipo de instrumentos que la forman, pero las clásicas orquestas de cámara, han surgido practicamente con el Barroco, siendo las cuerdas los instrumentos principales o más frecuentes. Existen composiciones bellas de este tipo de música para orquesta e instrumentos solistas, como clavicordio, arpa, flauta, piano, guitarra,etc.
Antes de empezar a introducirnos más a fondo de la música, habrá que
comprender muchos conceptos para la formación de ésta. Sólo les presento
las principales y más sobresalientes.
Clave
Es un símbolo usado en notación musical, cuya función es asociar las notas musicales con las líneas o espacios del pentagrama. Una clave asocia una nota en concreto con una línea del pentagrama, de manera que a las notas siguientes les corresponderán los espacios y líneas adyacentes.
Existen tres símbolos distintos para representar a las distintas claves,
la clave de sol, la clave de fa y la clave de do, que llevan el nombre
de la nota que designan a la segunda línea de los pentagramas. Es
obligatoria su colocación al principio de cada pauta, pero puede
cambiarse durante el transcurso de la obra en cualquier momento, si se
requiere.
Pulso
Señales transitorias musicales periódicas que marcan el ritmo, es decir, el latido de la música y la usamos para comparar la duración de las notas y los silencios. Para ésto, se maneja la siguiente simbología:
Compás
Son líneas divisoras que dividen el pentagrama en partes iguales, y agrupan a una porción de notas musicales en el pentagrama. Estas partes iguales se denominan tiempos.
Armadura
(Sostenidos o bemoles) Alteraciones que escritas sobre el pentagrama sitúan una frase musical en una tonalidad específica. Las alteraciones se escriben en un orden concreto:
-Sostenidos: fa, do, sol, re, la, mi, si.
-Bemoles: si, mi, la, re, sol, do, fa.
Acorde
Conjunto de dos o más notas diferentes que suenan simultáneamente o en sucesión y constituyen una unidad armónica.
Intervalo
Se le conoce como la distancia entre dos sonidos. También es la diferencia de altura -frecuencia- entre dos notas musicales
-Cualitativamente (especie: tonos y semitonos.
-Cuantitativamente (número): Grados o notas naturales.
Pentagrama
Representación gráfica para la altura de las notas (graves o agudos).
Consta de 5 líneas y 4 espacios.
Nota
Es un sonido determinado por una vibración cuya frecuencia de mayor amplitud es constante; figura musical, un signo que, colocado en un pentagrama con clave establecida, determina la altura y duración de un sonido.
Tonalidad
Se refiere a cuál es la clave, es decir la tónica (junto a sus escalas y acordes asociadas) en torno al cual "giran" en general y terminan y comienzan) las frases y progresiones musicales.
Alteración
Signo que se emplea para modificar el sonido de una nota, ya sea la entonación (o altura) de ellas. Las alteraciones más utilizadas son el bemol, el sostenido y el becuadro.
